Proyecto parte II.

Bueno, esta entrada servirá de continuación a la memoria del proyecto personal de este cuatrimestre (la  parte I la podéis encontrar aquí:  http://elblogdeleytonparapintura.blogspot.com.es/2013/06/proyecto-pintura-3.html , así ahorramos la búsqueda en el archivo del blog. )

Hasta ahora, tenía los cuatro bocetos de los cuatro cuadros que pretendía presentar.
Lo veía muy claro y la idea me gustaba, así que compré los cuatro dm de 100x70 y me lancé a la búsqueda del papel tapiz que haría de fondo de todos ellos.
Al principio había decidido trabajar sobre papel, a raíz de lo interesantes que me parecieron los resultados de una amiga y compañera del año pasado, Marina Ruiz  (https://www.facebook.com/photo.php?fbid=4588338756869&set=t.1544077426&type=3&src=https%3A%2F%2Ffbcdn-sphotos-c-a.akamaihd.net%2Fhphotos-ak-ash3%2F680360_4588338756869_296740881_o.jpg&smallsrc=https%3A%2F%2Ffbcdn-sphotos-c-a.akamaihd.net%2Fhphotos-ak-ash4%2F178977_4588338756869_296740881_n.jpg&size=2048%2C1536)  , y lo mucho que me gustan los estampados vintage, de los cuales recopilé una gran cantidad el cuatrimestre pasado buscando texturas de photohop para la asginatura creación digital.

La idea original era que no se repitieran, pero sólo encontré dos papeles que fueran adecuados y diferentes entre sí. Además, el proceso de pegado no salió bien por más que lo intentara (no había manera de dejarlo liso sobre la madera):

...O al menos yo no la encontré. 

Entonces, aborté la operación y cambié de idea: diseños y patrones como los del papel, pero sin el papel. Así que seleccioné cuatro de entre los cientos de patrones vintage de la carpeta de creación digital sobre los que basarme para dibujarlos sobre la madera:

(Utilicé un lápiz acuarelable blanco, para evitar en la medida de lo posible las marcas del dibujo)

Fondos de los cuatro cuadros acabados: 

(Y quizá debería haberlos dejado así, o rellenar lo demás con un solo tono claro y remarcar la línea del dibujo)

.

Mientras tanto, trabajé los cuatro dibujos seleccionados con photoshop, preparándolos para sacarlos en formato 50x70 en el laboratorio de imagen. 

Como la impresora adecuada para transferencias sólo imprime en A4, tuve que cortar y recontruir las imágenes. (además de voltearlas, desaturarlas y ajustar los niveles.) 

Una vez tuve solucionados los fondos y las piezas a transferir, lo primero era hacer pruebas de transferencia. 

Sabía por experiencias anteriores de otras compañeras, que para realizarlas sobre acrílico éste debía estar aún mordiente, (pues sino no se absorbía correctamente, y el disolvente universal acabaría con la pintura) pero este procedimiento no dio tan buenos resultados. Así que probé el método contrario, que funcionó, aunque la transferencia no quedara tan saturada como lo haría sobre papel, o madera. 

Prueba A: sobre acrílico húmedo. 

Prueba B: sobre acrílico seco. (funciona)

(realicé las transferencias de prueba con trazos propios de los dibujos originales, que sobraban de las transferencias "oficiales")

(preparando cuadros para la transferencia...)

(Seleccionando posters y fotografías de circos perdidos en la historia, expuestos también en la entrada "Proyecto Pintura 3". Impresos a color sobre papel normal y corriente para asegurar una buena fijación y un arrancado fácil)

Posteriormente me dediqué a deleitarme con los detalles florales de los fondos.

Resultado final:

CONCLUSIONES: 

1. El proceso de trabajo ha sido quizás más interesante que el resultado de la obra acabada.

2. La mancha abstracta y azarosa del blanco sobre el cual se realiza la transferencia choca con la contención y prganización de las formas del fondo, echándola un poco a perder. 

3. Me parece interesante la combinación de las imágenes fotográficas con el fondo, de manera integrada. 

4. El collage de carteles arrancados me da una nueva idea: Trabajar sobre carteles arrancados reales en lugar de simularlos o generarlos yo. 

5. El tema del circo como fuente estética, ya sea plasmado exteriormente o como escenificación real, sigue estando vigente en los nuevos proyectos que tengo en mente.

6. Las transferencias deberían tener algo más de contraste, ya que se pierden un poco ante el colorido circundante. 

7. Los temas florales y decorativos pueden dar más de sí como recurso plástico. 

8. No considero que sea un mal proyecto, pero puede estar mucho mejor y esto motiva a buscar esa mejoría. Hay que trabajarlo más, para conseguir más limpieza. (aún cuando no es lo que se busca)

Cuadros de clase hasta ahora.

Ejercicios de clase ordenados cronológicamente.

3º ejercicio:

2º ejercicio: 

1º ejercicio: 

ejercicios + apuntes:

Trabajo personal no facultativo

¡Hola!

Releyendo el blog me he dado cuenta de que parece que no he hecho nada por mi cuenta a parte de los trabajos de la asignatura.

Pues no es así, lo que ocurre es que ya llevo un blog con ellos, y repetir la misma información en dos blogs diferentes... no es una idea que me agrada.

Así que ahí va el enlace de mi blog personal, donde hay un poco de todo:

http://paloma-leyton.blogspot.com.es/

Último apunte

Último apunte realizado en clase, el último día.

Me faltó tiempo, evidentemente, y me salté la regla de los complementarios que hasta entonces habíamos venido aplicando para ver qué pasaba. Éste es el resultado, croe que si lo hubiera acabado hubiera estado más o menos conforme con él, sobre todo respecto de los anteriores. 

(los anteriores están aquí:   http://elblogdeleytonparapintura.blogspot.com.es/2013/04/primer-ejercicio-apuntes.html  )

Cettelan, Schneider y mi duda ante las respuestas de silencio incierto.

El 29 de Mayo de 2013 conocí a dos artistas, Maurizio Cattelan y Gregor Schnider a través de un documental titulado "Art Safari".
Si bien ambos siguen líneas completamente diferentes en lo que a su obra refiere, me llamó la atención la coincidencia de los dos a la hora de afrontar las preguntas que les hacía su entrevistador acerca del sentido de su obra, a la causa o la motivación de ambos para hacer lo que hacen: Schider permanece en ocasiones en silencio y ofrece rápidas evasivas a la vez que Cattelan responde copiando las respuestas de un transeunte ajeno a la conversación, y esto me da mucho que pensar, peor vayamos por partes:

Maurizio Cattelan se niega a aparecer en su documental, en primer lugar. En sus entrevistas, para las cuales utiliza dobles que hagan de él, insiste en su falta de talento, no crea sus obras, sino que las encarga y se las hacen otras personas (como Monsieur Valière o Daniel Duret, nombrs que creo oportuno mencionar ya que oficialmente no figuran como autores), ni las explica, se niega a hablar de ellas.

Algunas de sus obras consisten, por ejemplo, en colocar un burro en una sala de exposición porque no se le ocurrió nada más; o un disfraz gigante rosa con forma de pene que llevaría puesto un galerista Parisino durante seis semanas, a quien incluso ridiculizaría en los medios; o "Betsy", la abuela en el frigorífico del coleccionista Benjamin Brown.

Maurizio Cattelan. Betsy, 1999.

La producción de Cattelan parece ser alabada por la crítica de los coleccionistas y entendidos, y lo que a Ben Lewis, el conductor del documental, le puede parecer un chiste fácil, a un galerista que entrevista le parece una "interpretación con subtextos profundísimos, relacionado con la muerte, algo en lo que, si se piensa, se puede llegar a comprender el sentido de la vida."
A mí me sugiere varias ideas.
Para empezar, podemos entender a Maurizio como una persona que vio cómo abrirse paso en el mundo del arte mediante obras que se ríen del mismo para vivir a costa de él. (carece de formación artística, y decidió ser artista tras ver una exposición de Pistoletto) Y teniendo en cuenta cómo reacciona el "mundillo" ante la mofa, buscando significados transcendentales de ascensión metafísica en una broma a costa de un coleccionista rico que posiblemente no adquiera la obra por una gran suma de dinero porque la comprende, o porque le gusta, sino porque comprar arte da estatus y porque así ayuda a promover el mercado de arte y su nombre se deja oír.
Muy posiblemente este argumento haya salido de otro vídeo que vimos en Historia del Arte, "La Maldición de la Monalisa" de Robert Hughes. Aquí dejo el enlace para la parte que veo relacionada con este tema:

http://www.youtube.com/watch?v=Sw1neeF_GNc

Otro de los puntos interesantes del vídeo es cuando Lewis tiende una trampa al doble de Cattelan: lo lleva, mientras cree que va a una entrevista, ante un frigorífico en el que había colocado a la versión humana de "Betsy", quien le pregunta por el sentido de su obra e intenta profundizar en las contradicciones de sus planteamientos. Ante esto el doble contesta con respuestas incoherentes.
No me parece serio por parte de un artista, aunque su discurso incluya lo mal artista que es y aunque se valga de la ironía para expresarse, negarse a hablar sobre su obra o a conceder una entrevista. La obra, en mi opinión, es el argumento, lo que se quiere decir, y los medios para plasmarlo son  la voz. Si uno se niega a "hablar sobre lo que dice", entonces es mejor no decir nada.
Aunque por otro lado, el mundo del arte que se conoce a través del enfoque de "Art Safari" es digno de satirizar, es digno de reírse de él porque sí...

Maurizio Cattelan, Bidibidobidiboo, 1996.

Gregor Schneider, en cambio, expone su casa. Tal cual suena, remodela y expone su casa, lo que por un lado me resulta interesante puesto que va más allá de los soportes regulares de las artes figurativas , y se está abriendo completamente al espectador, ya que lo que tiene que ofrecer para mostrar quien es es su propia casa, abre las puertas de sí mismo ante el espectador casi literalmente. 

Por otro lado, está presuponiendo al proponer su casa que el espectador se interesará por ella, lo que quiere decir que se interesa por Gregor Schneider y su vida. 

Ahora bien, el hecho de que las instalaciones de este artista consistan en habitaciones muertas, lúgubres y siniestras es un tanto preocupante, a mí me generaron claustrofobia y eso que las estaba viendo en una pantalla, sin estar allí. Es una casa de la que no se puede salir, y esto es lo que intenta transmitir el autor,en sus propias palabras.

Esto sugiere la posibilidad de que Gregor le ha ocurrido algo terrible, porque el concepto y la obra dan miedo de verdad, aunque a los visitantes del museo no parece importarles. 

Tras investigaciones de Lewis, que acude hasta a un detective privado para comprobar que Hanne Lore Rohen, una mujer con la que presuntamente convive Schneider, no existe, acaba obteniendo, después de muchos silencios apáticos de Gregor, el trasfondo de su obra: no parte de un trauma personal, sino de reflejar la posguerra alemana. 

Más allá de las reflexiones que ya he expresado, me quedo con otro aspecto de estos dos vídeos: la importancia de la personalidad pública del artista. 

Proyecto pintura 3

Este post estará dedicado a la presentación de mi proyecto para pintura 3, que sigue la estela de los proyectos de Pintura 1 y Pintura 2.
Yo creo que un proyecto debe nacer siempre del interior del individuo, de sus deseos más profundos e intensos.
Pues bien, en este momento de mi vida mi segunda gran pasión a parte del dibujo es más que conocida por todos mis compañeros y amigos, y está intensamente relacionado con el circo. (Concretando: acrobacia aérea en tela y trapecio fijo, que es lo que he aprendido hasta el momento.)
Si bien dentro de ese mundo lo que adoro con fervor es el circo contemporáneo, mezclado con danza, teatro y otras disciplinas artísticas, he decidido centrarme en la estética de los años 20 y 30. ¿Por qué? Porque me gusta y llevo mucho tiempo detrás de un proyecto basado en esta estética.
Entonces, tenemos un tema que me apasiona, el circo. De él saco en claro, también, el estudio anatómico y el gesto acrobático, que me han resultado atractivos desde siempre, tanto para verlos como para sentirlos.
Entonces, a partir de unos dibujos surgidos tras horas de búsqueda e investigación, he sacado lo que quiero presentar como proyecto.
Verdaderamente, llevo mucho tiempo recopilando información sobre circos antiguos, e imágenes de época. en las cuales encuentro una poesía cautivadora y una nostalgia muy especial, para llevar a cabo un proyecto de ilustraciones de historias que yo misma escribiría, lo que ocurre es que aún no ha madurado lo suficiente como para saber qué escribir exactamente. Por lo tanto, sigo trabajando en la idea a través de este proyecto, que seguro me abrirá los ojos en cuanto a cómo seguirlo y cómo concretarlo.

Algunas de las imágenes de referencia:

 Nadie nunca piensa en los callos ni en las contracturas de las bailarinas.

Bocetos realizados a partir de las fotos: 

A partir de ellos, seleccioné mis cuatro preferidos y me dispuse a buscar composiciones con ellos, como serie:

Hice el boceto gracias a Photoshop, pero la idea era valerme del collage, y encontrar la manera de dibujar al personaje principal en lugar de pintarlo, puesto que considero que el dibujo se me da mejor que la pintura con diferencia.



REFERENCIAS:

Realmente me resultó difícil encontrar referentes que trataran el circo como tema principal en su obra, pero principalmente he sacado en claro dos.

Teklieng Lim:

Costa Dvorezky: